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余华出版文学和音乐随笔,以“一个读者或者听众”的身份

曾梦龙2017-11-14 19:00:41

“我知道自己在这里做了什么,通俗的说法就是吃着碗里的,看着锅里的。多年来我讲述自己的故事,也会倾听别人讲述的故事。在这部看着锅里的书里面,我不是一个批评家,只是一个读者或者一个听众,我写下这些文章是觉得锅里的比碗里的诱人。”

作者简介:

余华,1960年4月出生,1983年开始写作,主要作品有《兄弟》《活着》《许三观卖血记》《在细雨中呼喊》《第七天》《文学或者音乐》等。作品已被翻译成40多种语言在美国、英国、澳大利亚、法国、德国、意大利、西班牙、葡萄牙、荷兰、瑞典、挪威、丹麦、芬兰、希腊、俄罗斯、保加利亚、匈牙利、捷克、斯洛伐克、塞尔维亚、斯洛文尼亚、波兰、罗马尼亚、土耳其、巴西、以色列、埃及、科威特、日本、韩国、越南、泰国、印度和印尼等 40 多个国家和地区出版。曾获意大利格林扎纳·卡佛文学奖(1998年),法国文学和艺术骑士勋章(2004年),法国国际信使外国小说奖(2008年),意大利朱塞佩·阿切尔比国际文学奖(2014年)等。  

书籍摘录:

自序:和声与比翼鸟

作者们为什么要给自己的书作序?他们在书里说了那么多话之后难道还没有说完,他们是不是想换个角度再说一下?或者这是编辑的愿望,“给读者说几句吧”,编辑会这样说,希望作者的自我解读可以帮助读者,然而对于读者来说,作者的解读经常是画蛇添足。

总之这份古老的工作至今仍在流行,我也随波逐流。可是对于这本有关文学和音乐的书,我还能说些什么?文学和音乐给予我的,或者说我能够接受到的,已经裸露在此书之中,一丝不挂之后还能脱下什么?没有了,既然如此那就穿上外衣吧,也许比喻的外衣是合身的。

我曾经羡慕音乐叙述里的和声,至今仍然羡慕,不同高度的声音在不同乐器演奏里同时发出,如此美妙,如此高不可攀,而且在作曲家那里各不相同,在舒伯特的和声里,不同高度的声音是在互相欣赏,而在梅西安的和声里,这些声音似乎是在互相争论,无论是欣赏还是争论,它们都是抱成一团向着同一个方向前进。雄心勃勃的小说家也想在语言的叙述里追求和声,试图展现同一时刻叙述的缤纷,排比的句式和排比的段落可能是最为接近的,可是它们仅仅只是接近,它们无法成为和声,即使这些句式这些段落多么精彩多么辉煌,它们也不会属于同一个时间,它们是在接踵而至的一个个时间里一个个呈现出来。

不必气馁,语言叙述作品的开放品质决定了阅读的方式是和声,与演奏出来音符的活泼好动不同,阅读中的文字一行行安静排列,安静到了似乎是睡眠中的文字,如同睡眠里梦的千奇百怪,看似安静的阅读实质动荡澎湃,这就是阅读的和声。每一个读者都会带着自己的经历和感受去阅读,在阅读一个细节、一个情节、一个故事的同时,读者会唤醒自己经历里的细节、情节和故事,或者召回此前阅读其他叙述作品时留在记忆他乡的点点滴滴。这样的阅读会在作品的原意之上同时叠加出一层层的联想,共鸣也好,反驳也好,都是缤纷时刻的来临。从这个意义上说,我的这部个人阅读之书,也是个人和声之书。

我知道自己在这里做了什么,通俗的说法就是吃着碗里的,看着锅里的。多年来我讲述自己的故事,也会倾听别人讲述的故事。在这部看着锅里的书里面,我不是一个批评家,只是一个读者或者一个听众,我写下这些文章是觉得锅里的比碗里的诱人。

我想到了《山海经》里的蛮蛮,这个传说中的鸟只有一只眼睛一个翅膀,不能独自飞翔,只有与另一只蛮蛮连成一体后才有两只眼睛两个翅膀,然后“相得乃飞”。蛮蛮有一个洋气的名字——比翼鸟。起初这篇序言的题目是“和声与蛮蛮”,可是蛮蛮不能迅速指向只有一翼一目的鸟,像是一个正在屋外玩耍的孩子的小名,因此我选择了词义上一目了然的比翼鸟,在文中我仍然使用蛮蛮,因为这个名字有着让人遐想的亲切。

我想说文本是一只蛮蛮,阅读是另一只蛮蛮,它们没有相得之时,文本是死的,阅读是空的,所以文本的蛮蛮在寻找阅读的蛮蛮,阅读的蛮蛮也在寻找文本的蛮蛮,两只蛮蛮合体之后才能比翼而飞。

这部书可以说是讲述了一只蛮蛮的故事。在无边无际的天空里,无数的蛮蛮相得乃飞,这只蛮蛮与另一只蛮蛮合体飞翔几日或者几月后就会分离,跌落下来,不是垂直的跌落,是滑翔的跌落,跌落时总会与另一只刚刚分离的蛮蛮相遇合体比翼而飞,然后再次分离跌落,再次相遇合体,再次比翼而飞,一次次的跌落是为了一次次新的比翼而飞。放心吧,这只蛮蛮不会跌落在地,天空有着足够的高度,相互寻找的蛮蛮已经布满天空。

2017 年 6 月 21 日

音乐影响了我的写作

二十多年前,有那么一两个星期的时间,我突然迷上了作曲 。那时候我还是一名初中的学生, 正在经历着一生中最快乐的时光,我记得自己当时怎么也分不清上课和下课的铃声, 经常是在下课铃响时去教室上课了,与蜂拥而出的同学们迎面相撞, 我才知道又弄错了。 那时候我喜欢将课本卷起来,插满身上所有的口袋,时间一久,我所有的课本都失去了课本的形象,像茶叶罐似的,一旦掉到地上就会滚动起来。我的另一个杰作是,我把我所有的鞋都当成了拖鞋,我从不将鞋的后帮拉出来,而是踩着它走路,让它发出那种只有拖鞋才会有的漫不经心的声响。 接下去,我欣喜地发现我的恶习在男同学中间蔚然成风,他们的课本也变圆了,他们的鞋后帮也被踩了下去。

这大概是一九七四年, 或者一九七五年的事,“文革” 进入了后期,生活在越来越深的压抑和平庸里,一成不变地继续着。 我在上数学课的时候去打篮球,上化学或者物理课时在操场上游荡, 无拘无束。 然而课堂让我感到厌倦之后, 我又开始厌倦自己的自由了, 我感到了无聊,我愁眉苦脸,不知道如何打发日子。这时候我发现了音乐,准确的说法是我发现了简谱, 于是在像数学课一样无聊的音乐课里, 我获得了生活的乐趣, 激情回来了, 我开始作曲了。

应该说, 我并不是被音乐迷住了, 我在音乐课上学唱的都是我已经听了十来年的歌,从《 东方红》 到革命现代京剧,我熟悉了那些旋律里的每一个角落,我甚至都能够看见里面的灰尘和阳光照耀着的情景,它们不会吸引我,只会让我感到头疼。

可是有一天,我突然被简谱控制住了,仿佛里面伸出来了一只手,紧紧抓住了我的目光。当然,这是在上音乐课的时候,音乐老师在黑板前弹奏着风琴,这是一位儒雅的男子,有着圆润的嗓音,不过他的嗓音从来不敢涉足高音区,每到那时候他就会将风琴的高音弹奏得非常响亮,以此蒙混过关。其实没有几个学生会去注意他,音乐课也和其他的课一样,整个教室就像是庙会似的,有学生在进进出出 ,另外一些学生不是坐在桌子上,就是背对着黑板与后排的同学聊天。就是在这样的情景里面,我被简谱迷住了,而不是被音乐迷住。我不知道是出于什么原因 ,可能是我对它们一无所知。不像我翻开那些语文、数学的课本,我有能力去读懂里面正在说些什么。可是那些简谱,我根本不知道它们在干什么,我只知道我所熟悉的那些歌一旦印刷下来就是这副模样,稀奇古怪地躺在纸上, 暗暗讲述着声音的故事。 无知构成了神秘,然后成为了召唤,我确实被深深地吸引了,而且勾引出了我创作的欲望。

我丝毫没有去学习这些简谱的想法,直接就是利用它们的形状开始了我的音乐写作,这肯定是我一生里唯一的一次音乐写作。我记得我曾经将鲁迅的《 狂人日记》 谱写成音乐,我的做法是先将鲁迅的作品抄写在一本新的作业簿上, 然后将简谱里的各种音符胡乱写在上面, 我差不多写下了这个世界上最长的一首歌, 而且是一首无人能够演奏, 也无人有幸聆听的歌。

这项工程消耗了我几天的热情, 接下去我又将语文课本里其他的一些内容也打发进了音乐的简谱, 我在那个时期的巅峰之作是将数学方程式和化学反应也都谱写成了歌曲。然后,那本作业簿写满了,我也写累了。这时候我对音乐的简谱仍然是一无所知,虽然我已经暗暗拥有了整整一本作业簿的音乐作品, 而且为此自豪, 可是我朝着音乐的方向没有跨出半步, 我不知道自己胡乱写上去的乐谱会出现什么样的声音, 只是觉得看上去很像是一首歌, 我就完全心满意足了。

不久之后,那位嗓音圆润的音乐老师因为和一个女学生有了性的交往,离开学校去了监狱,于是音乐课没有了。此后,差不多有十八年的时间, 我不再关心音乐,只是偶尔在街头站立一会儿,听上一段正在流行的歌曲,或者是经过某个舞厅时, 顺便听听里面的舞曲。

一九八三年,我开始了第二次的创作,当然这一次没有使用简谱,而是使用语言,我像一个作家那样地写作了,然后像一个作家那样地发表和出版自己的作品,并且以此为生。

又是很多年过去了,李章要我为《 音乐爱好者》写一篇文章,他要求我今天将文章传真给他, 可是我今天才坐到写字桌前,现在我已经坐了有四个多小时了,前面的两个小时里打了两个电话, 看了几眼电视,又到外面的篮球场上去跑了十圈,然后心想时间正在流逝, 一寸光阴一寸金,必须写了。

我的写作还在继续, 接下去我要写的开始和这篇文章的题目有点关系了。 我经常感到生活在不断暗示我, 它向我使眼色, 让我走向某一个方向, 我在生活中是一个没有主见的人,所以每次我都跟着它走了。 在我十五岁的时候,音乐以简谱的方式迷惑了我, 到我三十三岁那一年, 音乐真的来到了。

我心想:是生活给了我音乐。 生活首先要求我给自己买了一套音响, 那是在一九九三年的冬天,有一天我发现自己缺少一套音响, 随后我感到应该有, 几天以后, 我就将自己组合的音响搬回家, 那是由美国的音箱和英国的功放以及飞利浦的 CD 机组合起来的,卡座则是日本的, 这套像联合国维和部队的音响就这样进驻了我的生活。

接着, CD 唱片源源不断地来到了, 在短短半年的时间里, 我买进了差不多有四百张 CD。 我的朋友朱伟是我购买 CD 的指导老师, 那时候他刚离开《 人民文学》, 去三联书店主编的《 爱乐 》 杂志, 他几乎熟悉北京所有的唱片商店, 而且精通唱片的品质。 我最早买下的二十来张 CD 就是他的作为, 那是在北新桥的一家唱片店, 他沿着柜台走过去, 察看着版本不同的 CD, 我跟在他的身后,他不断地从柜子上抽出 CD 递给我,走了一圈后, 他回头看看我手里捧着的一堆CD, 问我:“ 今天差不多了吧?” 我说:“ 差不多了。” 然后,我就去付了钱。

我没有想到自己会如此迅猛地热爱上了音乐, 本来我只是想附庸风雅, 让音响出现在我的生活中, 然后在朋友们谈论马勒的时候, 我也可以凑上去议论一下肖邦, 或者用那些模棱两可的词语说上几句卡拉扬。 然而音乐一下子就让我感受到了爱的力量, 像炽热的阳光和凉爽的月光, 或者像暴风雨似的来到了我的内心, 我再一次发现人的内心其实总是敞开着的, 如同敞开的土地, 愿意接受阳光和月光的照耀, 愿意接受风雪的降临, 接受一切所能抵达的事物, 让它们都渗透进来, 而且消化它们。

我那维和部队式的音响最先接待的客人,是由古尔德演奏的巴赫的《 英国组曲 》, 然后是鲁宾斯坦演奏的肖邦的《 夜曲 》, 接下来是交响乐了, 在我听了贝多芬、 莫扎特、 勃拉姆斯、 柴可夫斯基、 海顿和马勒之后, 我突然发现了一个我以前不知道的人——布鲁克纳, 这是卡拉扬指挥柏林爱乐演奏的《 第七交响曲 》, 我后来想起来是那天朱伟在北新桥的唱片店拿给我的, 当时我手里拿了一堆的 CD, 我根本不知道有这么一张, 结果布鲁克纳突然出现了, 史诗般叙述中巨大的弦乐深深感动了我, 尤其是第二乐章— 使用了瓦格纳大号乐句的那个乐章, 我听到了庄严缓慢的内心的力量, 听到了一个时代倒下去的声音。 布鲁克纳在写作这一乐章的时候, 瓦格纳去世了。 我可以想象当时的布鲁克纳正在经历着什么,就像那个时代的音乐正在经历的一样, 为失去了瓦格纳而百感交集。

然后我发现了巴托克, 发现了还有旋律如此丰富、 节奏如此迷人的弦乐四重奏, 匈牙利美妙的民歌在他的弦乐四重奏里跳跃地出现, 又跳跃地消失, 时常以半个乐句的方式完成其使命, 民歌在最现代的旋律里欲言又止, 激动人心。 巴托克之后, 我认识了梅西安, 那是在西单的一家小小的唱片店里, 是一个年纪比我大, 我们都叫他小魏的人拿给了我, 他给了我《 图伦加利拉交响曲 》, 他是从里面拿出来的, 告诉我这个叫梅西安的法国人有多棒, 我怀疑地看着他, 没有买下。 过了一些日子我再去小魏的唱片店时, 他再次从里面拿出了梅西安。 就这样, 我聆听并且拥有了《 图伦加利拉交响曲 》, 这部将破坏和创造, 死亡和生命还有爱情熔于一炉的作品让我浑身发抖,直到现在我只要想起来这部作品, 仍然会有激动的感觉。 不久之后, 波兰人希曼诺夫斯基给我带来了《 圣母悼歌》, 我的激动再次被拉长了。有时候,我仿佛会看到一九〇五年的柏林,希曼诺夫斯基与另外三个波兰人组建了“波兰青年音乐协会”,这可能是世界上最小的协会,在贫穷和伤心的异国他乡 ,音乐成为了壁炉里的火焰, 温暖着他们。

音乐的历史深不可测, 如同无边无际的深渊,只有去聆听,才能知道它的丰厚,才会意识到它的边界是不存在的。在那些已经家喻户晓的作者和作品的后面, 存在着星空一样浩瀚的旋律和节奏, 等待着我们去和它们相遇, 让我们意识到在那些最响亮的名字的后面, 还有一些害羞的和伤感的名字,这些名字所代表的音乐同样经久不衰。

然后,音乐开始影响我的写作了,确切的说法是我注意到了音乐的叙述,我开始思考巴托克的方法和梅西安的方法,在他们的作品里,我可以更为直接地去理解艺术的民间性和现代性,接着一路向前,抵达时间的深处, 路过贝多芬和莫扎特, 路过亨德尔和蒙特威尔第,来到了巴赫的门口。从巴赫开始,我的理解又走了回来,然后就会意识到巴托克和梅西安独特品质的历史来源,事实上从巴赫就已经开始了,这位巴洛克时代的管风琴大师其实就是一位游吟诗人,他来往于宫廷、 教堂和乡间,于是他的内心逐渐地和生活一样宽广,他的写作指向了音乐深处,其实也就指向了过去、现在和未来。 如何区分一位艺术家身上兼而有之的民间性和现代性,在巴赫的时候就已经不可能,两百年之后在巴托克和梅西安那里, 区分的不可能得到了继承,并且传递下去。尽管后来的知识分子虚构了这样的区分,他们像心脏外科医生一样的实在,需要区分左心室和右心室,区分肺动脉和主动脉,区分肌肉纵横间的分布,从而使他们在手术台上不会迷失方向。可是音乐是内心创造的,不是心脏创造的,内心的宽广是无法解释的,它由来已久的使命就是创造,不断地创造,让一个事物拥有无数的品质,只要一种品质流失,所有的品质都会消亡,因为所有的品质其实只有一种。这是巴赫给予我的教诲。

门德尔松,来自:维基百科

我要感谢门德尔松,一八二九年他在柏林那次伟大的指挥,使《马太受难曲 》终于得到了它应得的荣耀。 多少年过去了, 巴赫仍然生机勃勃,他成为了巴洛克时代的骄傲,也成为了所有时代的骄傲。 我无幸聆听门德尔松的诠释, 我相信那是最好的。 我第一次听到的《 马太受难曲 》, 是加德纳的诠释, 加德纳与蒙特威尔第合唱团演绎的巴赫也足以将我震撼。 我明白了叙述的丰富在走向极致以后其实无比单纯, 就像这首伟大的受难曲 , 将近三个小时的长度, 却只有一两首歌曲的旋律, 宁静、 辉煌、 痛苦和欢乐重复着这几行单纯的旋律, 仿佛只用了一个短篇小说的结构和篇幅就表达了文学中最绵延不绝的主题。 一八四三年, 柏辽兹在柏林听到了它,后来他这样写道:

每个人都在用眼睛跟踪歌本上的词句,大厅里鸦雀无声,没有一点声音,既没有表示赞赏,也没有指责的声音,更没有鼓掌喝彩,人们仿佛是在教堂里倾听福音歌,不是在默默地听音乐,而是在参加一次礼拜仪式。人们崇拜巴赫,信仰他,毫不怀疑他的神圣性。

我的不幸是我无法用眼睛去跟踪歌本上的词句, 我不明白蒙特威尔第合唱团正在唱些什么, 我只能去倾听旋律和节奏的延伸, 这样反而让我更为仔细地去关注音乐的叙述, 然后我相信自己听到了我们这个世界上最为美妙的叙述。 在此之前, 我曾经在《圣经》里读到过这样的叙述, 此后是巴赫的《 平均律》 和这一首《马太受难曲》。 我明白了柏辽兹为什么会这样说:“巴赫就像巴赫,正像上帝就像上帝一样。”

此后不久,我又在肖斯塔科维奇的《 第七交响曲 》 第一乐章里听到了叙述中“ 轻” 的力量,那个著名的侵略插部,侵略者的脚步在小鼓中以 175 次的重复压迫着我的内心,音乐在恐怖和反抗、绝望和战争、压抑和释放中越来越深重,也越来越巨大和慑人感官。 我第一次聆听的时候,不断地问自己:怎么结束? 怎么来结束这个力量无穷的音乐插部? 最后的时候我被震撼了,肖斯塔科维奇让一个尖锐的抒情小调结束了这个巨大可怕的插部。那一小段抒情的弦乐轻轻地飘向了空旷之中, 这是我听到过的最有力量的叙述。 后来,我注意到在柴可夫斯基,在布鲁克纳, 在勃拉姆斯的交响乐中,也在其他更多的交响乐中“ 轻” 的力量,也就是小段的抒情有能力覆盖任何巨大的旋律和激昂的节奏。其实文学的叙述也同样如此,在跌宕恢宏的篇章后面, 短暂和安详的叙述将会出现更加有力的震撼。

有时候,我会突然怀念起自己十五岁时的作品,那些写满了一本作业簿的混乱的简谱,我不知道什么时候丢掉了它,它的消失会让我偶尔唤起一些伤感。我在过去的生活中失去了很多, 是因为我不知道失去的重要, 我心想在今后的生活里仍会如此。如果那本作业簿还存在的话, 我希望有一天能够获得演奏, 那将是什么样的声音? 胡乱的节拍, 随心所欲的音符,最高音和最低音就在一起, 而且不会有过渡, 就像山峰没有坡度就直接进入峡谷一样。 我可能将这个世界上最没有理由在一起的音节安排到了一起, 如果演奏出来, 我相信那将是最令人不安的声音。

一九九八年十二月二日


题图为余华,来自:100bt

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