社交账号登录

社交账号登录

0/34

上传头像

拖拽或者缩放虚线框,生成自己满意的头像

头像

预览

忘记密码

设置新密码

设计

她的工作,是用自己的好奇心“不断挑战人们对博物馆的成见”

胡晓琪2017-05-02 07:31:39

好奇心日报专访 MoMA 的建筑与设计高级策展人 Paola Antonelli ,她被誉为“最摩登的策展人”。

Paola Antonelli 相信,“设计的时代已然来到,它足以令我们狂喜”。

自 1994 年被聘为纽约现代艺术博物馆(简称 MoMA)的建筑与设计高级策展人之后,Paola Antonelli 一直以来都在努力做同一件事情:不断地扩大“设计”的边界,挑战人们对于博物馆的成见。

今年 12 月,由 Antonelli 策划的,MoMA 历史上的第二个关于时尚的展览即将开幕。这将是 1944 年以来,MoMA 首次举办大型服装展览,上一次还是建筑师兼设计师 Bernard Rudofsky 策展的“Are Clothes Modern?”。那场展览后来被称之为“最不像服装秀的服装展”,Rudofsky 汇聚了二战时期的服饰,以此为媒介来解释时尚与社会之间的关系。

“Are Clothes Modern?” 图片来自:MoMA

从服装来探讨当下社会,这一策展逻辑也被运用在了 Antonelli 的新展里面。然而,时尚是否应该进驻博物馆仍然是个矛盾的话题(时尚算是艺术吗)。《纽约时报》时尚评论人 Vanessa Friedman 曾在一篇文章里写道:“时尚虽以精英主义闻名,可实际上它一直以来都被看作是艺术的‘养子’——缺乏创意,也不够有价值。”

不过 Antonelli 认为很多人都开始逐渐认识到了时尚的力量,MoMA 也应该关心这事儿。她给这场展览命名为“Item:Is Fashion Modern?”,展览将以物品而非设计师为第一主体,她想让人们从中了解到,时尚来自何处,又是如何变化的。

Item:Is Fashion Modern? 图片来自:MoMA

Antonelli 毕业于米兰理工学院建筑系,在被 MoMA 聘请之前曾在 DomusAbitare 这类建筑与设计的杂志工作。她说自己不是个时尚人士,但她以自己的角度去解读时尚,并且总是想把触角伸得更远。

2017 年 4 月,她受到现代传播集团时尚总监兼《周末画报》总编辑叶晓薇的邀请,来到上海观看上海时装周,并在时装周期间参加了在设计共和举办的一场讨论“打开眼界 Eyes Wide Open”。在这场讨论中 Antonelli 担任主讲,并再一次强调了自己的观点:“其实时尚并不一定是昙花一现,它其实是具有持续性的,我进一步研究了一下这个行业,我觉得我们现在讨论时尚这个话题,应该是正当其时”。

活动的现场来了很多年轻设计师,这令 Antonelli 感到惊喜,“我见到了很多年轻的中国设计师,我真的很喜欢陈安琪、Mesuem of Friendship(王天墨)、还有 Uma Wang、王逢陈她们”。另外,她还觉得她看到的上海,已经和那个她在纽约时的听说的上海不太一样了,“我走在上海街头,看到了很多人穿着各式各样的衣服。他们能够很自由地去表达自我,这是非常好的”。

作为今年年底时尚大展的策划人,Antonelli 提前一年开始着手准备,她招募了一支由 14 位时尚圈内人士组成的顾问团,包括 Gentlewoman 杂志的编辑 Penny Martin 以及 The Hood by Air 的创始人、艺术家 Shayne Oliver 等,讨论哪些展品应该被入选。

最终,Antonelli 选了 111 件展品,它们是——白 T 恤、Levi’s 501 牛仔裤、卡西欧电子表以及小黑裙,甚至是犹太人的小圆帽和巴勒斯坦人的头巾等。或许你对这些东西是否能代表时尚仍有疑虑, Antonelli 却觉得,“这些是在过去 100 年间,反映人类社会、经济以及政治变迁的时尚设计作品。”

Antonelli 想借着展览展现某些流行元素的起源与演变,这当中有很多有趣的发现:比如人们都认为 20 世纪的潮流标杆是由 Diane von Furstenberg 在 1974 年推出的裹身裙树立的,可早在 1932 年时,英国设计师 Charles James 设计的 Taxi Dress 里面,你就能看到螺旋式贴身围裹剪裁,再往前追溯,你甚至会发现这种贴身剪裁的源头来自日式传统的和服。

Diane von Furstenberg 图片来自:marieclarie

 Charles James Taxi Dress 图片来自:metmesuem 

在接受《好奇心日报》采访时,Antonelli 说,“因为我喜欢能被 3 整除的数字,从 99 开始,再加一些,就变成了 111”。在去年她为 Item: Is Fashion Modern 展做预告时,对外公开的展品数量是 99 件,到了今年,又丰富到了 111 件。

“我的挑选标准会受到二十世纪及二十一世纪的西方文化影响。我并不是说,这 111 件展品清单对每个人来说都是重要的。我只能说,这是我个人的观点,我认为它是重要的,我想通过它们去激励人们去从另一角度思考时尚”。

把白色 T 恤和 Levi’s 牛仔裤郑重其事地放在纽约现代艺术博物馆进行展出,让它们与毕加索的《亚威农少女》、梵·高的《星夜》一起迎接参观者的到访,这看起来不太严肃,但它还称不上是 Paola Antonelli 最激进的一次策展。

“如果给我一个能够自由策展的机会,我想我会策划一场关于自然的展览。现在我们使用自然,取之自然,也要想办法偿还自然。因此我想办一个展览来探讨这个问题,它涉及家具、数字化、建筑等话题”,Paola Antonelli 对《好奇心日报》说道。

“不过这场展览的主题很有可能不被通过。就像我在五年前的那场展览一样,它最开始并不被人接受”。

在 Antonelli 所说的五年前的那场展览里,她破天荒地把 14 个电子游戏带去了 MoMA,它们包括吃豆人、俄罗斯方块、模拟人生、神秘岛等。

当 MoMA 首次宣布要把电子游戏也列为永久馆藏之时,卫报的艺术批评家 Jonathan Jones 随即发表了一篇题为“对不起,MoMA,视频游戏不是艺术”的文章,他的说法在社交媒体中广为流传,引发了热烈的讨论。

面对铺天盖地的质疑声,Antonelli 并不觉得受到了伤害,“当你决定收藏什么东西的时候,总是会引发争论的”,Antonelli 对此回应道,“MoMA 的收藏是一个整体,而我们之所以将它划分成部门就是因为人类的知识就是这样,没有一个人可能触及到全部的人类意识。”

人们批评电子游戏不是艺术,但事实上,贯穿整个 MoMA 历史的策展使命的根本就是扩展艺术其本身的意义,模糊“艺术”和“其他”创造物之间的界限,比如设计、建筑、电影和时尚。

MoMA 图片来自:rctom

MoMA 的创立始于一群艺术热衷者和慈善家们的一个很简单的想法——他们希望建立一个小美术馆,来为大众提供一个了解当代艺术的机会。

1929 年 11 月 7 号,MoMA 的第一个展览就给纽约人提供了一个与众不同的艺术视角。时任馆长的 Alfred H. Barr 把塞尚、高更、修拉和梵·高的作品引入了 MoMA,尽管是在美国经济大萧条的艰难时期,这场持续了一个月的“后印象派”展览仍吸引了 47293 名参观者。

或许 Alfred H. Barr 当时没有想到,他第一次在 MoMA 展出的艺术家会成为现代主义艺术史上最闪亮的名字,但他的远见卓识却一直引领着 MoMA。Barr 将艺术博物馆比喻成一个实验室,他鼓励创新,希望打破大家对艺术博物馆的传统观念。

“设计是创意的最高表现形式,那么,游戏显然也是现代设计的一种。好的设计就像我们一直使用的罗马数字一样,成为我们身份的一部分。我想让人们理解,设计远远不止是可爱的椅子,设计在我们生活中,是周围的一切”。在 2013 年,Paola Antonelli 发表的名为“为什么我把吃豆人带去了 MoMA”(Why I Brought Pac-Man to MoMA)的 TED 演讲中,她解释了她把电子游戏列为 MoMA 馆藏的原因。这场演讲是 Antonelli 三场 TED 演讲中最受欢迎的一场,它获得了 91 万的点击量。

大西洋月刊(The Atlantic)曾在 2014 年八月版中称 Paola Antonelli 是“最摩登的策展人”,Antonelli 总是有些稀奇古怪的想法,她给 MoMA 带去的奇怪玩意儿不只是电子游戏,还有矿用雷管,以及,一瓶汗水…

2013 年时,Antonelli 曾办过一场名为 Design and Violence 的展览。她在诞生于 2001 年(这一年被视作是大众对于“暴力”认知的分水岭)之后的一些标志性物件中选取了一些,来展现它们和暴力的关系。比如一把 3D 打印的手枪,一根由阿富汗学生设计的矿用雷管(用来引爆的工具)。

Antonelli 为 Design and Violence 在展览形式上也做出了创新,她试图把展览的期间拉长来激发人们源源不断的好奇心:在最初的一个月,她在 MoMA 放出了两个展品,后面的每周新增一个展品,一直持续了一年之久。

“设计意味着很多的东西,它绝不仅仅是 Eames 椅子和 Braun 牌烤面包机。它还可以是,一段暴力史”,Antonelli 试图引起人们对于设计更广泛的思考,它可以在创造美好的同时带来毁灭,而科学的进步进一步扩宽了设计的功能,也带来新的问题。比如,当 3D 打印技术越来越普及的时候,3D 打印的手枪是否合乎道德?

3D 打印手枪 图片来自:mascontext

Design and Violence 图片来自:MoMA

“我策划的每个展览,都让我看到了不同的世界,就像是我每次都换了工作”,Antonelli 说她在 2008 年时办的那场 “设计和弹性思维(Design and Elastic Minds)”展览,让她最难忘。

虽说早在 1934 年,MoMA 就办过一场名为“Machine Art”的科技展,但像是那个时代很多的展览一样,它是由对技术变革的力量坚定不移的信念塑造的。那场展览上展出了当时美国最好的现代设计,充满了对科技的迷恋和崇拜。

而 Antonelli 总是试图去探索更多,在这场展览开始的一年前,她就找到了 Seed 杂志的创始人 Adam Bly 合作,举办每月一次的沙龙,邀请设计师和科学家共同参与其中。在展览中她着重展出了来自设计师和科学家双方的概念性作品,想要借此机会展示他们如何为我们展现未来。

“一个好的设计师应该像是海绵一样,积极去吸收他所遇到的信息,将其转化之后供我们使用”,这是 Antonelli 在这场展览预告的演讲中谈到的对于设计师的看法,其实也适用于她自身。Antonelli 总是把“设计”这个话题放在更广阔的情境下去观察,通过其它事物与设计的关系,然后以她自己的方式去诠释它。

Design and Elastic Mind 上的一场秀“New City”

图片来自:Richard Perry/The New York Times

Design and Elastic Minds 图片来自:universaleverything

人们总是把博物馆看成是图书馆、展厅,某种庄严、神圣的场所。Paola Antonelli 却想通过她举办的那些“接地气”的展览去更新人们对于博物馆的看法。当有人质疑那些被她放在 MoMA 的电子游戏事实上不过是一堆代码的时候,她反驳说,“难道毕加索的作品就只是油漆了吗?”


题图来自:MoMA、TED

喜欢这篇文章?去 App 商店搜 好奇心日报 ,每天看点不一样的。